tag:blogger.com,1999:blog-64810400530937397192024-02-18T23:24:16.912-08:00Ocurrirá lo Mismo en MarteAnonymoushttp://www.blogger.com/profile/03781390376757242092noreply@blogger.comBlogger8125tag:blogger.com,1999:blog-6481040053093739719.post-7937731003015053952014-04-28T02:43:00.004-07:002014-04-28T02:43:35.751-07:00EL BUSCAVIDAS.<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">FICHA TÉCNICA</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Dirección: Robert Rossen</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Guión: Robert Rosse & Sidney Carroll (Novela: Walter Tevis).</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Música: Kenyon Hopkins.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Fotografía: Eugene Shuftan</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Reparto: Paul Newman, Jackie Gleason, George C. Scott, Piper Laurie, Myron McCormick, Murray Hamilton, Vincent Gardenia, Michael Constantine</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Productora: 20th Century Fox</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">La película que nos
ocupa es <i><u>El Buscavidas</u></i> (<i><u>The Hustler</u></i>) del
director Robert Rossen, protagonizada por Paul Newman, en el papel de
Eddie Felson un buscavidas profesional de billar y alcohólico que va
por locales de billar desplumando a competidores junto con su socio
Charlie.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">En esto se encontraban
cuando llegan a un local en el que un tipo les habla del Gordo de
Minnesota, que no ha sido derrotado en 15 años, por lo que Eddie se
empecina en querer retarlo. Una vez el Gordo de Minnesota hace acto
de aparición comienza a ser derrotado por Eddie, quien, tras
emborracharse, ya que ambos oponentes habían mandado a un chico a
que les trajera whisky, comienza a no dar pie con bola y de los
18.000 dólares que le había ganado al Gordo, se queda únicamente
con 200 para disgusto de Charlie, que le recrimina que no sabe
retirarse cuando debe, por lo que los dos socios acaban yéndose cada
uno por un lado.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">En una estación de
autobuses, Eddie guarda sus pertenencias y se acicala un poco, va
hacia un bar donde pide un café solo, sentándose al lado de una
chica a la que ha visto y con la que comienza a hablar, se queda
dormido tras las 25 horas de juego en las que ha participado y es
ella la que paga el café y se va. Poco después vuelve a
encontrársela, ambos tienen problemas con la bebida, pero él va a
vivir con ella comenzando juntos una relación.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Charlie se presenta un
día sin previo aviso, en el piso de la chica, buscando a Eddie, para
llevárselo con él como hacían antes, pero él se niega, al final
Charlie termina confesándose ante Eddie.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Eddie sufre la rotura de
sus dedos pulgares y una fuerte agresión en un antro en el que
derrota a un jugador de poca monta al que despluma sin problemas.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Eddie comienza un trato,
posteriormente, con Gordon, quien había presenciado la partida de
éste con el Gordo, pero Gordon no es trigo limpio, solo está
interesado en el dinero. La aparición de éste personaje traerá la
perdición para Sarah, que acabará suicidándose en la habitación
del hotel en el que los tres se encuentran, tras la victoria, muy
sufrida, de Eddie sobre otro tipo en otra modalidad de billar en la
que no era tan experto, el estilo libre.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Finalmente Eddie vuelve
al lugar donde tuvo su enfrentamiento con el Gordo de Minnesota para
volver a retarlo, tras el cambio sufrido en él, lo derrota y planta
cara a Gordon quien le dice que no vuelva a visitar nunca una sala de
billar.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Una de las grandes
películas del cine americano de los 60, en la que Paul Newman ofrece
una de sus grandes interpretaciones, encarnando a un personaje
extremo, que se deja guiar por sus vicios, el billar y la bebida,
hasta que las dificultades a las que se enfrenta parece que le hacen
entrar en razón y cambiar lo necesario en él para dejar de ser,
como Gordon le recuerda en ocasiones, un perdedor; para convertirse
en un ganador. Eddie Felson se torna inmortal gracias a su
interpretación, recuperado éste personaje por el mismo actor en el
film El Color del Dinero, dirigido por Martin Scorsese, una secuela
que como film está bien, no es de las mejores de Scorsese, pero
tampoco es la peor que tiene, sin embargo puede achacársele que sea
una secuela innecesaria y el hecho de que a pesar de ser un buen film
no llegue a la altura de la cinta de Rossen.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">George C. Scott en el
papel de Gordon se muestra a la altura, en un personaje que le viene
como anillo al dedo, además de ese gran Gordo de Minnesota, hombre
callado, gran jugador de billar, calmado en todo momento por su gran
confianza en sí mismo o la joven Sarah, chica con problemas como el
alcoholismo, que vive atormentada por su pasado y vuelve a estarlo
por su presente, razón por la que se quita la vida.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">En la película se
muestran temas como el de adicción en lo referente al alcoholismo,
el alienamiento, del que la pareja protagonista es un claro ejemplo,
porque no encajan en una sociedad como en la que viven, el carácter
de buscavidas de él le trae problemas, como la agresión; el egoísmo
o la avaricia, que pueden hacer que las personas toquen fondo y
pierdan lo que han ganado con su esfuerzo, esto último, sin embargo
lo apreciamos solamente en los personajes masculinos, Sarah parece
ser la única que no posee estos sentimientos sobre el dinero.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Llama la atención el
personaje de Charlie, cuando se confiesa ante Eddie le dice: “Tú
eres lo único que me importa”, frase un tanto singular para que un
socio le diga a otro, por lo que podríamos intuir una homosexualidad
encubierta en el personaje, lo cual se encontraba latente en algunos
personajes masculinos de films del Hollywood de la época.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">La dirección de Rossen
hace que la historia no decaiga en ningún momento, dándole el ritmo
necesario para que el espectador mantenga la atención en todo
momento y se sumerja en la historia.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Cabe mencionar que lo que
Charlie o Gordon hacen en el film que nos ocupa con Eddie, es lo que
él en su vejez haría con Vincent, interpretado en El Color del
Dinero por Tom Cruise, sin embargo Eddie volverá a ponerse frente a
una mesa de billar en la película de Scorsese.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">El carácter alcohólico
de Eddie lo hace caer en picado, como el protagonista de Días sin
Huella de Billy Wilder que comparte con el de Paul Newman su
cabezonería que le hace no ser capaz de cambiar ante los problemas,
como si fuera voluntad suya el autodestruírse.
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Gordon le dice que tiene
talento pero que perdió por su carácter. Los personajes se muestran
no como rol, están vivos y sufren lo que da un gran realismo a la
película, de hecho no vemos lo que solemos entender por “happy
ending”, a pesar de salir victorioso de su partida tiene que pagar
un alto precio por ello.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">La fotografía en blanco
y negro semejante a la de los films noir ayudan en la ambientación
de la historia y favorecen en al ambiente ayudando a crear una
atmósfera agobiante.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Otro de los temas que
podemos encontrar en la película es el poder del dinero, el poder
que ejerce en las personas, de forma que muchos son capaces de
cualquier cosa con tal de enriquecerse, aunque ello conlleve mal para
quienes les rodea.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<br />
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">En definitiva, una gran
película sobre un antihéroe, que nos muestra a personajes con
problemas que sienten y padecen lejos de frases estereotípicas y
situaciones efectistas. </span>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/03781390376757242092noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6481040053093739719.post-70967155575683846852014-04-21T02:38:00.001-07:002014-04-21T02:38:04.369-07:00UN CORAZÓN EN INVIERNO<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">FICHA
TÉCNICA</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Director:
Claude Sautet</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Guión:
Claude Sautet, Jacques Fieschi, Jerome Tonnerre</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Música:
Maurice Ravel</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Fotografía:
Yves Angelo</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Productora:
Film Par Film/Orly Films</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Reparto:
Daniel Auteuil, Emmanuelle Béart, André Dussollier, Brigitte
Catillon, Maurice Garrel, Myriam Boyer</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Estamos
ante un film dirigido por el francés Claude Sautet en el que se nos
cuenta la historia de un triángulo amoroso protagonizado por Maxime,
Stéphane y Camille.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Maxime
es el jefe y amigo de Stephane, al que le confiesa que ha comenzado
una relación con la joven Camille; Stéphane tras ir conociendo cada
vez más a la joven parece estar también enamorado de ella, no
obstante cuando la joven violinista se enamora por fin de él éste
se muestra indiferente afirmándole que no siente lo mismo por ella,
esta atracción supone una especie de ruptura incipiente con su socio
y jefe Maxime.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">El
mundo en el que se mueve Stéphane es el de la apariencia, al menos
es lo que en algunos momentos nos deja entrever el personaje con su
actitud. Parece ser una persona fría y distante, o al menos es un
papel que desempeña, ejemplo de ello es cuando le dice a la joven
que “odia la palabra enamorado”.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Por
otro lado Maxime y Camille parecen más “pasionales” en cuanto a
su manera de comportarse, de sentir, en comparación con Stéphane.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Otro
dato a tener en cuenta puede ser el hecho de que Stéphane actúe de
ésta manera como una especie de mecanismo de defensa, para proteger
esa imagen de sí mismo que quiere proyectar a los demás, a modo de
máscara bajo la que se siente menos vulnerable; teoría que no
resultaría descabellada si nos fijamos en el final de la película,
Camille se va con Maxime, quedando Stéphane solo tras rechazar a la
chica, lo cual nos puede llevar a pensar que el personaje
interpretado por Daniel Auteuil la rechazó siendo consciente de lo
que habría traído consigo esa “atracción” por la violinista,
la ruptura ya no sólo laboral, sino también de la amistad entre los
dos personajes masculinos, de este modo las palabras que en una
conversación dice él a la chica dándole a entender que él y
Maxime “no son amigos”, no serían más que parte del papel que
el personaje quiere desempeñar, por lo que la teoría de la
apariencia cobraría más peso.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Siguiendo
con las apariencias, éstas parecen tener bastante peso entre los
personajes del film, ejemplo que podemos ver durante la escena de la
cena en la que tienen una conversación superflua sobre Cultura, en
la que el único personaje que se posiciona es Stephane; conversación
ésta que podemos relacionar con otra que sucede también durante una
cena en la reciente <i><u>La
Gran Belleza</u></i> de
Paolo Sorrentino o, incluso, la del film <i><u>Cachè</u></i>
de Michael Haneke, en la que también tiene un papel protagonista
Daniel Auteuil.
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">En
ambos films mencionados encontramos personajes con similitudes a los
de la película que nos ocupa, personajes que se mueven en el ámbito
artístico-cultural que parecen más preocupados por aparentar ser
que por lo que verdaderamente son.
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">El
tratamiento que se hace de la historia de amor entre los personajes,
sobre todo con el final de la misma, nos puede hacer evocar a la
clásica <i><u>Casablanca</u></i>
de Michael Curtiz donde encontramos también un triángulo amoroso.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Uno
de los mayores aciertos que le encuentro a esta película es en lo
referente al tratamiento de la historia, no se pierde el tiempo en
explicaciones absurdas, los detalles importantes se nos muestran
mediante los diálogos y comportamientos de los personajes, se
muestra lo justo para que el espectador, sin ser éste un film de
gran complejidad narrativa, interprete el porqué los personajes
actúan de determinada manera, incluso en la historia de amor de
Camille y Stéphane, que nos lleva a evocar otra película, en esta
ocasión <i><u>In the Mood
for Love</u></i> del
hongkonés Wong-Kar Wai, en la que los dos personajes, interpretados
por Andy Lau y Maggie Cheung, no sucumben a su amor para no
traicionar a sus respectivas parejas y por miedo al “que dirán”.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Si
el personaje interpretado por Auteuil es verdaderamente de la forma
en que se comporta, dejando ahora de la do la teoría de la máscara,
no va a cambiar, como tampoco lo hace el asexuado profesor al que da
vida Robert Mitchum en la <i><u>La
Hija de Ryan</u></i> de
David Lean, donde ve cómo su mujer se enamora de un militar que
acaba suicidándose, teniendo que huir con posterioridad junto a su
mujer del pueblo en el que viven por un linchamiento de sus vecinos a
la adúltera esposa.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Cabe
destacar, que considero que lo único que media entre los personajes
es la música, apaciguándolos. Ella con su carrera musical, él con
su labor de fabricación y reparación de instrumentos, haciendo
valer ese dicho de la sabiduría popular que reza: “La música
amansa a las fieras”.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Como
ya hemos comentado a pesar de no ser un film de extremada complejidad
narrativa, no muestra de manera explícita todo lo necesario para
entender las motivaciones de éstos seres, eso es labor que el
espectador debe llevar a cabo, prestando atención a lo que sucede,
porque este es un film basado en la apariencia, como los personajes
que muestra; parece que no está sucediendo nada, pero, en realidad,
son muchas las cosas que suceden, pero es la naturalidad con la que
se muestran lo que las hace verosímiles, de ahí que tengamos que
mostrar especial atención a los detalles y diálogos e interpretar
luego. No vemos personajes vacíos, no vemos situaciones sin sentido
dentro de la historia que se nos muestra.
</span></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Times, Times New Roman, serif;">Incluso
la forma en que está rodada nos ayuda a prestar atención a esos
detalles, no hay efectismos, no hay recursos cinematográficos de
gran complejidad técnica, sencillez, continuidad, fluidez narrativa,
pues el ritmo con el que se nos cuenta la historia nos hace
sumergirnos en ella, no nos sentimos abrumados por exceso de
acontecimientos o frenetismos, así como tampoco sentimos sopor por
lentitud o tiempos muertos, otro de los aciertos de un film que con
el paso de los años se está forjando un hueco entre las videotecas
personales de los cinéfilos de a pie.</span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/03781390376757242092noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6481040053093739719.post-37279859087148628342014-04-07T01:17:00.000-07:002014-04-07T01:17:06.664-07:00LA FELICIDAD DE LOS KATAKURI<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">O
LA SERIE Z JAPONESA QUE NO FUE.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">FICHA
TÉCNICA</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Dirección:
Takashi Miike</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Guión:
Kikumi Yamagishi</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Música:
Kôji Endo, Kôji Makaino</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Fotografía:
Hideo Yamamoto</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Reparto:
Kenji Sawada, Keiko Matsuzaka, Shinji Takeda, Naomi Nishida,
Kiyoshiro Imawano, Tetsuro Tamba, Kenichi Endo</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Productora:
Shochiku</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">La
película que nos ocupa es <i><u>La
Felicidad de los Katakuri</u></i>,
del director japonés Takashi Miike, conocido por su estilo
estrambótico, rozando la serie B, Z en ocasiones; sus adaptaciones
de manga y por dos remakes de dos películas de samurais bastante
recientes: <i><u>13
Assassins</u></i>
y <i><u>Hara-Kiri:
Death of a Samurai</u></i>,
remake bastante digno ésta última de la obra maestra de Masaki
Kobayashi <i><u>Harakiri</u></i>;
ambos films de Miike, se tornan a mi juicio, de momento como sus
mejores films, al contrario que la obra que nos ocupa.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Cuenta
la historia de una familia japonesa que se instala en mitad de un
paraje natural donde forman un hotel para albergar a viajeros que por
allí pasen, no obstante los pocos huéspedes que llegan a tener
traen a la familia diversos problemas porque comienzan a aparecer
muertos. El tono de la película me recuerda al de un film cómico de
terror de la década de los 70, también japonés, titulado <i><u>House</u></i>
(<i><u>Hausu</u></i>)
de Obayashi. Con determinados detalles animados, en este caso en stop
motion, números musicales, y un recurso que siempre he considerado
de lo más chabacano, esos insertos del personaje que sale en plano,
en miniatura. Los números musicales se tornan un tanto mal llevados,
y en ocasiones demasiado fuera de tono, ralentizando una historia que
podría haberse contado en un medio metraje perfectamente.
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Bien
es verdad que Takashi Miike es fundamentalmente un director de
evasión y entretenimiento, a pesar de ese estilo suyo más cercano
al anime en muchas ocasiones, que al cine japonés de maestros como
Kurosawa, Mizoguchi o Yasujiro Ozu, teniendo algunas películas que
podrían verse emparentadas con el cine un coetáneo suyo Takeshi
Kitano, más que nada cuando han tocado la temática yakuza o la ya
comentada de samuráis, donde han hecho gala de un estilo más
clásico y un mejor hacer dentro de sus respectivas filmografías. El
problema es querer otorgarle al cine de Miike un status que no le
pertenece, más allá de la pura evasión que ofrece su cine, como
parece ser que le otorgan determinados sectores y que el propio
director parece que se intenta otorgar en esta película,
concretamente al final, cuando la voz en off de uno de los
protagonistas suelta su arenga sobre la vida; lo cual, habiendo visto
la película me resulta un “discurso” fuera de lugar y del tono
que ofrece. También es verdad que no es una película para tomársela
en serio, y que tampoco es pretensión de Miike, al menos
aparentemente, que nos la tomemos en serio, no obstante si te dedicas
al cine de entretenimiento, considero que es fundamental que el ritmo
siga una que haga que la historia avance y que no sumerja al
espectador en un estado en el que termine deseando a eso de la mitad
del film que termina ya. Si he de señalar una virtud del director es
su libertad para hacer lo que le viene en gana, algo que vemos
reflejado aquí perfectamente, y que ha demostrado en otros casos
como <i><u>Gozu</u></i>,
<i><u>Ichi the
Killer</u></i> o
<i><u>Audition</u></i>.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Considero
que no podría emparentar este film con otros de tinte surrealista,
hablo de films de directores como Buñuel o Lynch, ya que en La
Felicidad de los Katakuri, surrealismo hay poco, tal vez únicamente
la escena de stop motion con la que se abre la película. Su factura
se muestra un tanto pobre, así como los números musicales parecen
salidos de un mal programa televisivo, los actores sobreactuados,
encarnando personajes que podríamos enmarcar dentro del frikismo
japonés.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Cabe
comentar lo mucho que se habla sobre el valorar obras de poca
importancia o de menor calidad artística con la alta cultura, sin
embargo, en muchas ocasiones se valora a Takashi Miike como si se
estuviera valorando a uno de los grandes maestros del cine japonés y
eso es un problema, un problema que en esta época que se ha
denominado Postmodernidad se da en todos los ámbitos y que está
trayendo una degeneración de las Artes, donde se valora de la misma
manera el film que nos ocupa que <i><u>Cuentos
de Tokio</u></i>
del maestro Ozu, cosa ésta que observo en algunos compañeros que
parecen guiarse más por esa pseudo-intelectualidad del gafapastismo
que por una verdadera pasión por el Cine.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br />
</span></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">En
definitiva, una fallida película de Takashi Miike, quien, a mi
juicio y como he comentado anteriormente, ha realizado sus mejores
películas con los dos remakes de películas clásicas de samuráis
antes mencionadas, pero que nos ha entregado otros films bastante
entretenidos dentro del tipo de cine que hace, como son: <i><u>The
Bird People in China</u></i>,
una de las mejores que ha realizado, <i><u>Cementerio
Yakuza</u></i>,
<i><u>Crows Zero</u></i>,
<i><u>Crows Zero
II</u></i> o el
thriller de culto <i><u>Audition</u></i>.</span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/03781390376757242092noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6481040053093739719.post-39940157042520787002014-03-31T00:34:00.000-07:002014-03-31T00:34:29.951-07:00FRESAS SALVAJES<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">RECUERDOS, CONMEMORACIONES Y PROBLEMAS DE FAMILIA.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">Dirigida por: Ingmar
Bergman.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">Guión: Ingmar Bergman.</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">Fotografía: Gunnar
Fischer</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">Música: Eric Nordgren</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">Montaje: Oscar Rosander</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">Producción: Allan Ekelund</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">Reparto: Victor Sjöström,
Bibi Andersson, Ingrid Thulin, Gunnar Björnstrand, Max Von Sydow</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">En el año
1957, el maestro sueco Ingmar Bergman firma una de sus obras más
conocidas, </span><span style="font-size: medium;"><i><u>Fresas Salvajes</u></i></span><span style="font-size: medium;">,
en la que se nos narra la historia de Isak Borg, un reputado profesor
de física que va a recibir el Honoris Causa en la ciudad de Lund.
Para ello emprende un viaje en coche acompañado de su nuera, que ha
decidido dejar al hijo del anciano, por el camino conocerán a tres
jóvenes a los que llevarán con ellos, así como a un matrimonio con
problemas a los que tendrán que dejar abandonados en la carretera
por el comportamiento que experimentan; además, el anciano profesor
rememorará varios episodios de su infancia y juventud en algunas de
las paradas que harán por el camino.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">Al principio
del film somos partícipes de una escena onírica, en la que el
protagonista se encuentra en soledad, en plena calle desierta, donde
observa un reloj sin manecillas, ¿tal vez un sueño profético de
que se acaba el tiempo del anciano? ¿Su vida va a pararse dentro de
poco?, si unimos esto a la carreta fúnebre tirada por dos caballos
podemos, entonces, establecer una interpretación “más firme”
sobre ello. De esa carreta se desprende un ataúd, del que se abre la
tapa y para asombro del pobre Isak, quien se haya dentro es él mismo
en lo que parece antojarse como un sueño premonitorio de una cercana
muerte del protagonista, que ya se encuentra en una edad “avanzada”.
Esta escena, una vez la contemplamos, destaca ante el resto del
metraje del film por asemejarse en mayor medida al cine mudo, con
tintes del Expresionismo alemán, sin embargo la carreta en sí bien
podría ser un homenaje al film sueco de 1921 dirigido y
protagonizado por el propio Victor Sjöström y titulado </span><span style="font-size: medium;"><i><u>La
Carreta Fantasma</u></i></span><span style="font-size: medium;">, film que como el propio
Bergman declaró en más de una ocasión, ha sido de gran influencia
para él.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">El personaje
encarnado por Sjöström se nos muestra al principio de la cinta como
un viejo gruñón y cabezona, que se empecina en ir en coche hasta la
ciudad en la que se le concederá el Honoris Causa, ante la negativa
de su sirvienta. Por lo que finalmente es acompañado por su nuera,
que estaba alojándose en su casa, ya que va a romper su relación
con el hijo de Isak. </span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">Conforme
vamos avanzando el relato, apreciamos los temas que suelen ser
comunes en la filmografía bergmaniana, el matrimonio; ejemplificado
aquí por el hijo de Isak y su esposa, interpretada por Ingrid
Thulin; así como la desesperante pareja con la que tienen el
accidente de coche. Problemas conyugales que son una constante en la
filmografía del director sueco, como nos hacen ver </span><span style="font-size: medium;"><i><u>Secretos
de un Matrimonio</u></i></span><span style="font-size: medium;"> o su secuela </span><span style="font-size: medium;"><i><u>Saraband</u></i></span><span style="font-size: medium;">,
testamento fílmico del director, así como </span><span style="font-size: medium;"><i><u>Las
Mejores Intenciones</u></i></span><span style="font-size: medium;">, que, a pesar de
estar dirigida por Bille August, cuenta con guión de Bergman.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">Otro de los
temas que apreciamos en el film que nos ocupa es el de la religión,
presente en los jóvenes que son recogidos por Isak y su nuera, sobre
todo en los dos personajes masculinos, los cuales discuten sobre
temas de carácter teológico en más de una ocasión, posicionándose
cada uno en un bando concreto, siendo los dos personajes una metáfora
del eterno enfrentamiento entre religión y escepticismo; por esta
razón, así como por el tinte existencialista que desprende la cinta
en diversas ocasiones, el hijo de Isak, que argumenta desear morir o
el propio Isak, podemos ligar </span><span style="font-size: medium;"><i><u>Fresas
Salvajes</u></i></span><span style="font-size: medium;"> con otro de los filmes más
conocidos de este creador, </span><span style="font-size: medium;"><i><u>El Séptimo
Sello</u></i></span><span style="font-size: medium;">, en el que la muerte incluso tiene
una encarnación física y de su partida de ajedrez con el personaje
encarnado por Max Von Sydow, depende la vida de éste último. El
tiempo en la película cobra un gran protagonismo, pasa inexorable,
de ahí esa confrontación entre juventud y vejez que apreciamos, los
flashbacks en los que el protagonista recuerda episodios pasados, o
el ya mencionado reloj sin manecillas. </span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">El ritmo de
la película es lento, debemos ver esta obra sin prisas, atendiendo a
los detalles que se nos presentan. Los personajes son los que mueven
la acción, los cuales están llevados de una forma tan magistral que
hacen que el ritmo pausado de que hace gala la película no nos haga
caer en sopor. Nos interesamos por los personajes, por los problemas
que afrontan, los cuales se tornan cotidianos, propios de cualquier
viandante con el que podamos cruzarnos una mañana cualquiera,
propios de cualquier matrimonio, como ese hastiado hijo de Isak,
alter-ego del propio Ingmar Bergman probablemente, con su bella
esposa, que espera un hijo que él no desea.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">Latente en
esta cinta, junto a ese enfrentamiento vejez-juventud, nos
encontramos al trío de jóvenes, que suponen un la visión de la
nuevas generaciones, frente a las mayores, de ideas que van quedando
obsoletas, ejemplo que vemos en Isak, y sobre todo en su anciana
madre, en una escena en la que los planos y contraplanos de la madre
de nuestro protagonista, con el personaje encarnado por Ingrid Thulin
nos dan una idea del enfrentamiento que el autor quiere plantear con
ello haciendo a los espectadores partícipes de ello.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br /></div>
<br />
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-size: medium;">Debemos
citar, el viaje en coche también como una metáfora, no solamente es
un viaje que los va a llevar a su destino, Lund, sino también a
afrontar su pasado, presente y futuro, sus problemas, y la solución
a los mismos. En realidad, el reconocimiento que el anciano
protagonista va a recibir es algo secundario, lo que interesa es él,
su vida, de la que conocemos aspectos por las digresiones que el
personaje tiene en determinados momentos, recordando escenas de su
infancia y juventud, de la que como espectadores somos partícipes,
concluyendo el film con una en la que Isak va a reunirse con sus
padres, en lo que se torna una sutil forma de dar muerte a un hombre
cansado, de hacerlo redimirse de sus errores y hacerlo por fin
descansar, en esa reunión con sus progenitores, los cuales se
encuentran en aquel lugar que todos, en algún momento, terminaremos
visitando.</span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/03781390376757242092noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6481040053093739719.post-14078380262601826082014-03-17T04:37:00.001-07:002014-03-17T10:21:20.508-07:00ATRAPADO EN EL TIEMPO O CÓMO ÉSTO YA LO HE VIVIDO.<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Título Original: Groundhog Day.</span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Año: 1993.</span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Director: Harold Ramis.</span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Guión: Danny Rubin, Harold Ramis
(Historia: Danny Rubin).</span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Música: George Fenton.</span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Fotografía: John Bailey.</span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Reparto: Bill Murray, Andie MacDowell,
Chris Elliott, Stephen Tobolowsky, Brian Doyle-Murray, Marita
Geraghty, Angela Paton, Rick Ducommun, Rick Overton, Michael Shannon.</span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Productora: Columbia Pictures.</span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Cuenta la historia de Phil (Bill
Murray), el hombre del tiempo de una cadena de televisión que es
enviado, un año más a cubrir el Día de la Marmota al pueblo de
<span style="color: black;">Punxstawnwey.
Sin embargo, él y sus dos compañeros tienen que pasar la noche en
el pueblo, de modo que cuando Phil despierta al día siguiente se
encuentra con que es de nuevo el Día de la Marmota, día tras día
lo mismo, da igual lo que haga, hasta que encuentra la redención en
el amor de su productora y es cuando amanece un nuevo día.</span></span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Nos
encontramos con<i><u> Groundhog Day</u></i> ante un carácterístico film comercial
de principios de los 90. Película de referencia para gran parte del
público, que contribuyó bastante a popularizar al actor Bill
Murray.</span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Nos
encontramos ante una comedia, género en el que vale todo (o casi
todo) por lo que los desfases que el protagonista comete pueden
aceptarse sin entrar en debates, a priori absurdos, sobre la
verosimilitud de algunos de ellos o lo descabellados que puedan
llegar a ser, puesto que en un tipo de comedia como la que nos ocupa,
considero que este debate no tiene sentido.</span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="color: black;">La
película de Ramis, se basa en diversos tópicos, desde la misma
trama romántica de la misma, a los propios personajes, siendo el
único que hace avanzar el relato el personaje de Phil, motor de las
acciones que se llevan a cabo en la película. </span>
</span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Bajo
mi punto de vista, el problema de esta comedia radica en cierto aire
de film de sobremesa televisivo, principal defecto del que pueden
pecar diversas producciones de finales de los 80 y principios de los
90, más destinadas al entretenimiento.</span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Pasando
a analizar aspectos técnicos del film, podemos decir que el ritmo
que posee la beneficia, por ello el entretenimiento que otorga no
decae en ningún momento, haciendo que el espectador lo pase bien
viendo a ese apático protagonista hacer actos descabellados que
soluciona posteriormente por el hecho de despertar en el mismo día.
Por otra parte, nos cuenta la historia de un personaje antipático,
creído y que causa irritación a quienes les rodea, pero que
encuentra la redención una vez que consigue cambiar consiguiendo a
la chica; ésto es algo muy común en este tipo de producciones, que
podemos relacionar, aunque sin el tono romántico, con el personaje
de Cuento de Navidad, que también es partícipe de una forma de
“castigo” para que su comportamiento mejore, encontrando un
cierto aire moralista en la historia, donde el pequeño toque de
ciencia-ficción no es más que un vehículo para la redención.</span></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<div style="text-align: justify;">
<span style="color: black; font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;">Podemos
además encajar este film dentro de la categoría de viajes en el
tiempo, que tuvo en las décadas de los 80-90 un gran auge dentro de
la producción norteamericana, con exponentes de la talla de la
Trilogía de <u><i>Regreso al Futuro</i></u> de Robert Zemeckis, así como
<i><u>Terminator</u></i> y <i><u>Terminator 2</u></i> de James Cameron.</span></div>
</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/03781390376757242092noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6481040053093739719.post-14077340301868386162014-03-10T02:16:00.000-07:002014-03-10T02:16:22.446-07:00Steve McQueen y el drama humano.<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
12 AÑOS DE ESCLAVITUD</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
FICHA TÉCNICA</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
Director: Steve McQueen</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
Guión: John Ridley (Biografía de
Solomon Northup)</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
Música: Hans Zimmer</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
Fotografía: Sean Bobbit</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
Reparto: Chiwetel Ejiofor, Michael
Fassbender, Lupita Nyong'o, Benedict Cumberbatch, Paul Dano, Paul
Giamatti, Sarah Paulson, Brad Pitt, Michael K. Williams, Alfre
Woodard</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
El director británico Steve McQueen da
el salto a Hollywood con su tercer largometraje, llegando en los
recientemente celebrados Premios Oscar a alzarse con el premio a
Mejor Película. Si este premio es merecido o no, es algo que no
vamos a analizar, lo que sí es de comentar es que el bueno de
McQueen mantiene su estilo en este tercer largometraje. Un estilo
caracterizado por una dirección que aboga por los planos de larga
duración, siendo destacable el uso del plano-secuencia que viene
haciendo en su cine, los estéticos encuadres, con una fotografía
muy particular, tal vez propiciada por su director de fotografía
habitual Sean Bobitt. Nuevamente, el director nos cuenta una historia
de gran crudeza, si bien en su primer largometraje, <i><u>Hunger</u></i>,
era la historia de un preso del IRA que se ponía en huelga de hambre
hasta llegar al fatal desenlace; en su segunda película, titulada
<i><u>Shame</u></i>, nos cuenta otra forma de prisión, la prisión
psicológica que padece un joven apuesto y adinerado de la ciudad de
Nueva York, prisión psicológica por padecer una gran adicción al
sexo, la cual conforme avanza el film, lejos de disminuir va en
aumento; en esta tercera película es otra especie de prisión la que
machaca al protagonista, la de la esclavitud, siendo sometido a
torturas y trabajos en una plantación de algodón en el sur de los
Estados Unidos.</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br />
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
Cabe mencionar, que si en sus dos
anteriores films el protagonista era el actor Michael Fassbender, que
realizaba unas actuaciones de un grandísimo nivel; en <i><u>12 Años
de Esclavitud</u></i>, el protagonismo es de Chiwetel Ejiofor,
pasando el anteriormente mencionado actor germano-irlandés a
realizar un papel secundario en el film; aunque no por ello de menor
calidad, si bien el papel de Ejiofor puede ser el mejor de su carrera
o uno de los mejores, cabe destacar la labor de Fassbender, quien se
come la pantalla en las escenas en las que aparece, junto a la joven
Lupita N’yongo, cuya interpretación de la joven esclava por la que
el déspota señor siente algo más que cariño, es de elogiar. En el
resto del elenco destacan Benedict Cumberbatch, quien aunque no posee
un papel en el que pueda explayarse demasiado, se ha situado como un
gran actor con sus trabajos y en este film se mantiene más que
correcto, causando simpatía en el espectador; por otra parte Paul
Dano, que goza de pocos minutos, pero lleva al extremo a su
personaje, su labor es buena, pero su interpretación es similar a
otras que ya ha realizado anteriormente con mayor protagonismo,
recuérdese <i><u>There Will Be Blood </u></i>de Paul Thomas
Anderson. La mujer del personaje de Fassbender, se muestra fría, en
un papel en el que encaja muy bien, siendo ella la culpable de los
mayores arrebatos de furia del tiránico negrero. Otras apariciones
que debemos comentar son las de Paul Giamatti, el actor
italoamericano es quien encarna al encargado de vender a Solomon al
Sr. Ford, un papel demasiado escueto para un actor de su talla;
Michael K. Williams que interpreta al negro que asesinan en el barco
y, como no, Brad Pitt, productor de la película que se reserva un
pequeño papel, a mi juicio uno de los pocos fallos de la película.
Cuando el personaje de Brad Pitt tiene su primera escena suelta una
perorata anti-esclavitud demasiado obvia, no me encaja con el tono de
la película que durante el resto del metraje se dedica a mostrarla
sin discurso obvio ninguno, con gran realismo y crudeza, por lo que
este discurso hace que la escena se convierta en un spot
propagandístico contra la esclavitud. Sobra esa escena, no es
necesaria, cualquier persona en su sano juicio es consciente de la
lacra que la esclavitud es, pero aquí viene la pregunta: Sin esa
escena con ese discurso, ¿se habría llevado la película el Oscar a
la Mejor Película? Podemos debatir al respecto.</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br />
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
Por otro lado, otra cosa que me falla
de la película es el final, bien es verdad que está basada en una
historia real y todo eso, pero considero que mostrar el reencuentro
con su familia no hace otra cosa que fomentar de una manera demasiado
trillada el efecto lacrimógeno, al espectador le hubiera bastado con
que tras el plano de espaldas de Solomon en la calle frente a su
casa, hubieran salido los créditos finales, se hubiera entendido
igualmente y no se habría recurrido al recurso del efectismo
buscando la lágrima, ¿una imposición del estudio? puede que sí o
puede que no. Con esto no quiero que parezca que he cambiado de
opinión con respecto a la película y el buen hacer de su director,
simplemente creo que hubiera ganado aún más puntos habiéndose
desarrollado de otra manera lo que he comentado o habiéndose
suprimido directamente.</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br />
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
Si queremos comparar el tratamiento que
en el film se realiza de la esclavitud un referente muy cercano en el
tiempo con el que podemos compararlo es la última película de
Quentin Tarantino <i><u>Django Unchained</u></i>, que data de 2012.
Mientras que el film de Tarantino es una historia de venganza,
sangrienta, con momentos de humor negro y absurdo, cierto desenfreno,
cargada de diálogos y el tan común debate sobre si la violencia que
muestra es gratuita o no, que acompaña a la filmografía del
director de la gran mandíbula, en el film de McQueen encontramos un
tratamiento mucho más realista, la violencia que muestra es cruda,
aquí no hay lugar para el absurdo ni el humor ¿negro? El film de QT
tira más hacia el género western y la blaxploitation, mientras que
<i><u>12 Años de Esclavitud</u></i> deja el western de lado por el
drama puro, más en la línea de <i><u>Mogambo</u></i>, y abandona
por completo al héroe negro de los films de bajo presupuesto de los
70, no vemos a <i><u>Shaft</u></i> ni a <i><u>Truck Turner</u></i>.
Se nos muestra una película completamente diferente al Django
tarantiniano, a pesar de que ambas compartan algunas localizaciones
en sus respectivos rodajes.</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br />
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
El film de McQueen es más crudo cuanto
menos cortes muestra, gracias al realismo que otorgan las tomas
largas y los planos secuencia, que dejan al espectador agotado ante
lo que está viendo.</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br />
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
El sonido tiene gran importancia en la
cinta, y no es de extrañar pues el apartado sonoro es espectacular,
los golpes, latigazos y demás duelen de solo oírlos, mostrándonos
otra gran labor en la producción del film.</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br />
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
Por último, la película podría ser
un tercer volumen dentro de la filmografía de McQueen, puesto que
con sus dos anteriores obras podría formar una trilogía. No
obstante, volviendo a los dos aspectos que cambiaría del film,
espero y deseo que el director británico no ceda en más cosas ante
los grandes estudios para futuras producciones, ya que ello puede
llevar a una decadencia en su cine y en su particular estilo, que
podría llevarlo en picado.</div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/03781390376757242092noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6481040053093739719.post-8651451582754983952014-03-02T12:42:00.003-08:002014-03-02T12:42:20.034-08:00CACHÉ<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<i style="font-family: Arial;"><b>SUTIL
RADIOGRAFÍA DEL SIGLO XXI</b></i><b style="font-family: Arial;">.</b></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;">Tras
enfrentarme a un segundo visitando de éste film de Michael Haneke,
se me vienen a la mente otros del mismo director como <i><u>Funny
Games</u></i>, con el que guarda cierto paralelismo, como pueda ser
el tema del acoso a la familia que protagoniza la historia. En cuanto
a la forma en que en ésta película se nos muestra el acoso,
mediante cintas de vídeo que muestran el exterior de la casa en que
los personajes habitan, recuerdo la fantástica <i><u>Carretera
Perdida</u></i> de David Lynch, donde también reciben vídeos, solo
que en la cinta norteamericana en los vídeos que reciben los
protagonistas se muestra el interior de su casa, por la noche,
sugiriendo una invasión a la privacidad de esas personas, envuelta
en un aura de misterio y con una atmósfera oscura y perturbadora. </span>
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;">En
el caso de <i><u>Caché</u></i>, el tinte perturbador lo ponen los
dibujos que acompañan a las cintas anónimas, y por contraposición
a la cinta “lynchiana”, esta película de Haneke carece,
aparentemente, de esa oscuridad; no obstante, el realismo de que hace
gala el film es el que nos hace partícipes de la oscuridad, el lado
oscuro del ser humano. Por otra parte, y tomando ahora como
referencia los vídeos que envían a los personajes protagonistas,
con ellos el director realiza un juego de confusión, como sucede con
el inicio de la película en la que vemos un larguísimo plano fijo,
en el que aparecen los créditos iniciales de la película, que una
vez terminados dejan paso a la totalidad de ese plano fijo general;
solamente nos percatamos de que algo no encaja cuando escuchamos unas
voces en off que hablan y ruido de fondo, que junto al rebobinado de
la imagen, haciéndonos ver que se trata de un “vídeo dentro de la
película”.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;">Haneke
rueda esta película en Alta Definición, sin artificios en su
tratamiento de la imagen, así como tampoco en el montaje, haciendo
gala de larguísimos planos estáticos o en movimiento. Pone en la
boca de sus personajes diálogos de una gran naturalidad, y logra
involucrar al espectador, mostrándole un film que por su naturalismo
nos resulta más veraz. Dentro del mismo los temas que se tratan
establecen un certero reflejo de la situación que vivimos en pleno
siglo XXI, la invasión a la privacidad, la falsa realidad que los
medios de comunicación nos venden a diario, el racismo, la
desmemorización, la venganza…</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;">La
invasión a la privacidad se refleja en los vídeos anónimos y los
dibujos que los acompañan, que son depositados en la puerta del
domicilio de la familia protagonista, que tras recibir varias cintas
se percatan de que los están vigilando, desconociendo el motivo de
ello. A continuación, la falsa realidad que nos venden los medios de
comunicación se nos muestra de varias formas, todas ligadas al
ámbito televisivo; primero con los vídeos anónimos, ya que, en
principio, desconocen quién los ha grabado y por qué; en segundo
lugar, en una escena la pareja protagonista tiene puesto otro de los
vídeos que han recibido y Georges lo quita, poniendo las noticias,
su mujer, Anne, le pregunta por qué lo ha cambiado y él le responde
“¿Qué más quieres ver?”, creo que esta frase traduce
perfectamente el carácter dudoso de los medios de comunicación que
hemos comentado; en tercer lugar, el padre de familia es presentador
de un programa de televisión, en un par de ocasiones le vemos en el
trabajo, donde parece gozar de cierto prestigio, lo cual se
contrapone con la imagen privada del mismo, es alguien que siente
miedo conforme la historia avanza, pierde los nervios y se encuentra
en jaque y sin saber qué hacer ante la situación que se le ha
presentado.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;">El
tema del racismo es otro factor, que a mi juicio, debemos tener en
cuenta al enfrentarnos a esta obra. Una vez se descubre quién está
detrás de las grabaciones, vemos que se trata de un hombre argelino,
que vive con su hijo. Éste hombre conoce a Georges desde la infancia
pues era hijo de los empleados argelinos que trabajaban para los
padres de Georges, los cuales murieron dejando al pequeño en
soledad; a éste respecto, Georges pidió a sus padres que no
adoptaran al crío. Por otra parte, cuando el matrimonio protagonista
sale de comisaría, el personaje de Auteuil tiene un pequeño roce
con un chaval de raza negra que iba en bicicleta y que casi le
arrolla. Mi pregunta es la siguiente, ¿habría el personaje
reaccionado de distinta forma con los otros dos, de no haber sido
personas pertenecientes a otras razas? Puede que sí, puede que no.
Con la introducción de Majid, el hombre argelino, tenemos que
establecer también la relación con el tema del olvido y la
“des-memorización”, ya que Georges no recordaba al principio ese
episodio de su vida con la familia argelina, o al menos es lo que
dice. También debemos enlazarlo con la venganza, pues este acoso a
la familia Laurent por parte del personaje argelino, nos hace ver
eso. No obstante, la venganza es un mero vehículo aquí para mostrar
un problema que aqueja a la sociedad en general, la falta de empatía,
una falta de empatía que se muestra de manera de bidireccional.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;">Ante
esto que comentamos surgirá una pregunta, la cual es completamente
normal una visto el film: ¿Quién grabó los vídeos Majid o su
hijo? Pregunta que Haneke no quiere respondernos, puesto que quien
grabase los vídeos carece de importancia, es solamente un vehículo
mediante el que mostrar los verdaderos problemas que se critican en
la película, involucrando de esta manera de forma directa a los
espectadores e invitándoles a la reflexión, haciendo, además otro
ejercicio para que los espectadores se involucren más, si es eso
posible, mediante la aparente confusión de no saber en ocasiones qué
forma parte de la película de Haneke y qué forma parte de los
vídeos que reciben la familia Laurent, para que sea el público el
que descodifique lo que está viendo. Para mostrar esto Michael
Haneke se salta el conocido MRI, haciendo un ejercicio de estilo
completamente contrario desde la estructura de la película, pasando
por la estética, la ausencia de música, la fotografía, etc., forma
de realizar su obra que se muestra en armonía con su filmografía,
viendo claros ejemplos de ello en la anteriormente mencionada <i><u>Funny
Games</u></i>, en <i><u>Código Desconocido</u></i> o en <i><u>71
Fragmentos de una Cronología del Azar</u></i>, solamente por nombrar
algunas dentro de su filmografía. Y es que los personajes de Caché
se mueven en un terreno muy común en la actualidad, el de la
apariencia, razón por la que Georges recrimina a su mujer cuando
ésta saca a relucir el tema de las cintas de vídeo durante el
transcurso de la cena con sus amigos; apariencia también de Anne no
quedándonos muy claro si mantiene un idilio con Pierre, tal y como
sospecha el hijo de ésta, Pierrot; la apariencia de Georges, su
imagen ante las cámaras de televisión como alguien digno de
admiración que choca por completo con su imagen en la privacidad,
presa del miedo, y habiendo protagonizado hechos de dudosa moralidad.
</span>
</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;">En
definitiva, nos encontramos ante una película diferente, que
trastoca el conocido Método de Representación Internacional, donde
aquello que percibimos como la historia que se nos muestra en primer
término puede resumirse en pocas palabras, mientras que su fondo se
encuentra repleto de críticas y alusiones a problemas que atañen a
la sociedad contemporánea; una película que lo que muestra no es
para nada gratuito, al contrario, para involucrar al espectador, para
que éste reflexione sobre lo que ha visto, de una forma que
solamente Haneke puede hacerlo, mostrándonos personajes inmersos en
situaciones que bien podríamos vivir cualquiera, por ello no nos
extraña que se alzara con el premio al Mejor Director en el Festival
de Cannes por esta película.</span></div>
<div align="JUSTIFY" style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;"><br /></span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<br />
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWFmveDzXMD1DsJ8INIancZohCrQjZY4Q_6yf01weheMrmBzFLtsda_rcShhaQXLGj_vaCGLDn2y0SqOzIFAMh5UGFw0IRTwty24wIjRL-0DljknY0nxLpt1GzwQ8Iavh8VeYTaQ2OxAQ/s1600/cache_haneke.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWFmveDzXMD1DsJ8INIancZohCrQjZY4Q_6yf01weheMrmBzFLtsda_rcShhaQXLGj_vaCGLDn2y0SqOzIFAMh5UGFw0IRTwty24wIjRL-0DljknY0nxLpt1GzwQ8Iavh8VeYTaQ2OxAQ/s1600/cache_haneke.jpg" height="200" width="150" /></a><span style="font-family: Arial;">FICHA
TÉCNICA</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;">Título
original: Caché</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;">Año:
2005</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;">Director:
Michael Haneke</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;">Guión:
Michael Haneke</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;">Música:
Varios</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;">Fotografía:
Christian Berger</span></div>
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;">Reparto:
Daniel Auteuil, Juliette Binoche, Maurice Bénichou, Annie Girardot,
Lester Makendonsky</span></div>
<br />
<div style="margin-bottom: 0cm;">
<span style="font-family: Arial;">Productora:
Coproducción Francia-Austria-Alemania-Italia; Les Films du
Losange/Wega Film/Bavaria Film/BIM Distribuzione</span></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/03781390376757242092noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6481040053093739719.post-60206333928616310792014-02-16T14:49:00.000-08:002014-02-16T14:49:08.198-08:00Hipótesis del Cuadro Robado, de Raoul Ruiz.<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
Tras ver el film completo, y sin haber
podido despegar los ojos de la pantalla para no perderme detalle
alguno, tengo la sensación de haber asistido a una obra
metadiscursiva.</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
Digo obra meta-discursiva, porque
aunque sea Cine, y se nos presente el problema sobre otro Arte como
es la Pintura, creo que Raoúl Ruiz lo que hace es plantear una
problemática que se presenta en Arte en general. Partiendo de una
supuesta serie de cuadros realizada por un supuesto pintor llamado
Tonnerre, “el Coleccionista” va desmenuzando los distintos
elementos de cada cuadro, estableciendo la hipótesis de que todos
guardan relación mediante algún elemento secundario que se muestra
en ellos a los ojos del espectador, tales como el espejo que refleja
la luz, en el primer cuadro; o la media luna, en el segundo. Según
va siguiendo las pistas, éstas encajan, pero todo se va a pique al
llegar al “cuadro robado”, en el que se supone aparecía como
nexo conector una máscara.
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
Por otra parte, se nos cuenta que en
estos cuadros los personajes realizan una “ceremonia”, la cual no
será desvelada hasta llegar al último de todos, donde se nos
descubre un culto a Baphomet, culto que ha sido perseguido durante
siglos, como ocurriese con los templarios en la época de Jacques de
Molay, y que fue la razón por la cual retirasen el cuadro faltante y
la exposición causara gran revuelo.</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
Es al final del fin cuando me llevo la
impresión de que se trata de una obra meta-discursiva, cuando “el
Coleccionista”, cansado por no poder desvelar un misterio con el
que lleva años conviviendo, establece su reflexión final. Con ella,
se establece de forma definitiva lo que se viene vaticinando conforme
el metraje avanza; que las teorías que “el Coleccionista”
establece no son más que conjeturas extraídas de su propia lectura
de los cuadros, basadas en su propia subjetividad, teorías que, por
otra parte, no tienen que ser válidas para todo el mundo, puesto que
cada espectador puede establecer las suyas libremente. Por otra
parte, estas explicaciones no tienen tampoco que ser ciertas, ya que
el supuesto autor de los cuadros puede no haber tenido en mente
ningún tipo de misterio como el que se nos plantea en esta película.
</div>
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
<br /></div>
<br />
<div style="margin-bottom: 0cm; text-align: justify;">
Ante esta problemática, me surge la
reflexión de si verdaderamente cuando nos enfrentamos a
explicaciones de cualquier tipo de obra de Arte, éstas tienen
sentido alguno. Me surge la duda de si el artista que la ha llevado a
cabo ha querido verdaderamente establecer ese “diálogo” con el
receptor de su obra o simplemente ha realizado aquello que le ha
venido en gana mediante su vena creativa sin pretender nada más que
representar algo, siendo de esta manera el receptor el que ha
tergiversado lo que el artista ha querido expresar con explicaciones
más allá de la obra del autor. Un ejemplo parecido a lo que quiero
expresar podría ser el documental <i><u>Room 237</u></i>, en el que
se exponen diversas teorías sobre el magnífico film <i><u>El
Resplandor</u></i> del director Stanley Kubrick.</div>
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